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Interview on the Exhibition “Caravaggio 2025” with Thomas Clement Salomon, Director of the Gallerie Nazionali di Arte Antica at Palazzo Barberini in Rome

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Qual è stato l’aspetto più impegnativo nel curare un’esposizione così significativa su Caravaggio, soprattutto con l’inclusione di opere rare o meno conosciute?Curare una mostra di questa portata ha richiesto un attento equilibrio tra rigore scientifico, logistica e innovazione nell’allestimento. Una delle sfide più complesse è stata senza dubbio il processo di prestito di venti dipinti autografi provenienti da tutto il mondo, sono le Star di questi importanti musei, così straordinari da creare lunghe trattative con musei, perchè le opere hanno costi di assicurazione altissimi per l’estradizione, si pensi all’opera ” I Musici” provenienti da New York dal Metropolitan Museum, ” “Hecce Homo” dal Museo del Prado di Madrid; oltre a un’accurata valutazione dello stato di conservazione di ciascun pezzo.L’esposizione riunisce molte opere iconiche e alcune recentemente scoperte di Caravaggio. Cosa spera che i visitatori portino con sé dall’esperienza, in particolare per quanto riguarda la comprensione dell’influenza di Caravaggio sull’arte e sulla società?L’obiettivo principale è offrire ai visitatori un’immersione profonda nell’universo di Caravaggio, non solo come artista ma come figura rivoluzionaria che ha segnato in modo indelebile la storia dell’arte.Questa mostra è una grande opportunità per il pubblico perchè possono vedere il Ritratto di Maffeo Barberini a oltre sessant’anni dalla sua riscoperta e ora per la prima volta è affiancato ad altri dipinti di Caravaggio come la Santa Caterina del Museo Thyssen- Bornemisza di MAdrid, capolavoro della collezione Barberini, Marta e MAddalena del Detroit Institute of Arts; vi sono le opere legate alla storia del collezionismo dei Barberini, come “I Bari” del Kimbell Art Museum di Fort Worth. Chiude la selezione di questo importante prestito “Il Martirio di Sant’Orsola”, ultimo dipinto del Merisi, realizzato poco prima della sua morte nel 1610 a Porto Sant’Ercole.La relazione di Caravaggio con i suoi committenti e con la famiglia Barberini è centrale nell’esposizione. In che modo questa connessione arricchisce la nostra comprensione della sua arte e della sua vita durante questo periodo?I Barberini hanno giocato un ruolo chiave nella vita di Caravaggio, rappresentando sia una fonte di protezione sia un’importante committenza per il pittore. Attraverso i documenti storici e le opere in mostra, vogliamo mettere in luce l’intricata rete di rapporti tra Caravaggio e le figure di potere dell’epoca. La relazione con i Barberini mostra anche come la sua arte fosse tanto apprezzata quanto controversa: la sua capacità di reinterpretare i temi sacri con un realismo crudo e coinvolgente era rivoluzionaria, ma al tempo stesso suscitava reazioni contrastanti tra i suoi committenti. Nei quadri c’è la sua vita, e grazie alla possibilità di vedere riunite tutte queste sue opere si apprezza l’evoluzione stilistica fino alla sua ultima opera.Com’è stata la relazione fra Palazzo Barberini e la Galleria Borghese per la realizzazione di questa grande mostra, considerando che Francesca Cappelletti è una esperta di Caravaggio e direttrice della Galleria Borghese?La collaborazione tra Palazzo Barberini e la Galleria Borghese è stata fondamentale per la realizzazione di Caravaggio 2025. Francesca Cappelletti, con la sua profonda conoscenza dell’artista e del suo contesto, ha contribuito in maniera determinante alla costruzione del percorso espositivo e alla selezione delle opere. La Galleria Borghese custodisce alcuni dei capolavori più celebri di Caravaggio, e il dialogo tra le due istituzioni ha permesso di valorizzare al meglio la loro presenza in mostra. Questo progetto rappresenta un esempio virtuoso di sinergia tra musei, che ha permesso non solo di offrire al pubblico una visione più completa dell’opera di Caravaggio, ma anche di rafforzare la collaborazione tra le grandi istituzioni culturali italiane ed estere. ENGLISH VERSION What has been the most challenging aspect of curating such a significant exhibition on Caravaggio, especially with the inclusion of rare or lesser-known works?Curating an exhibition of this magnitude required a delicate balance between scholarly rigor, logistics, and innovative display techniques. One of the most complex challenges was undoubtedly securing the loans of twenty autograph paintings from around the world. These works are the stars of their respective museums, making negotiations lengthy, as institutions are understandably reluctant to part with them. Additionally, the high insurance costs associated with their transport added another layer of complexity. Consider, for instance, The Musicians from the Metropolitan Museum of Art in New York or Ecce Homo from the Prado Museum in Madrid. Another crucial aspect was the meticulous assessment of each piece’s condition to ensure its preservation during the exhibition.The exhibition brings together many iconic works as well as some recently discovered pieces by Caravaggio. What do you hope visitors will take away from this experience, particularly regarding Caravaggio’s influence on art and society?The main goal is to offer visitors an immersive journey into Caravaggio’s world—not only as an artist but as a revolutionary figure who left an indelible mark on art history. This exhibition presents a unique opportunity for the public to see the Portrait of Maffeo Barberini, which has not been displayed in over sixty years since its rediscovery. For the first time, it is presented alongside other Caravaggio masterpieces such as Saint Catherine from the Thyssen-Bornemisza Museum in Madrid, a cornerstone of the Barberini collection, Martha and Mary Magdalene from the Detroit Institute of Arts, and works linked to the Barberini family’s history as collectors, including The Cardsharps from the Kimbell Art Museum in Fort Worth. The exhibition culminates with The Martyrdom of Saint Ursula, the last painting Caravaggio created before his death in 1610 in Porto Ercole.Caravaggio’s relationship with his patrons and the Barberini family is central to the exhibition. How does this connection deepen our understanding of his art and life during that period?The Barberini family played a crucial role in Caravaggio’s life, providing both protection and significant commissions. Through historical documents and the works on display, we aim to shed light on the intricate web of relationships between Caravaggio and the powerful figures of his time. His connection with the Barberini family also highlights how his art was both highly valued and deeply controversial. His ability to reinterpret sacred themes with raw, compelling realism was groundbreaking, yet it often provoked mixed reactions from his patrons. His paintings are

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Aleida Guevara: A Legacy of Thought and Humanity. Interview with Aleida Guevara

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Bologna ospita una mostra speciale dedicata a Ernesto Che Guevara, un’occasione per esplorare la sua eredità ideologica e culturale oltre la figura storica. Sua figlia, Aleida Guevara, sarà presente all’evento, offrendo una prospettiva personale e approfondita sulla visione del padre. In questa intervista, parliamo della rilevanza attuale dei suoi ideali, del ruolo della cultura nella diffusione del suo messaggio e del significato di portare questa mostra a Bologna.La mostra di Bologna approfondisce il pensiero e l’eredità di Ernesto Che Guevara. Quale ritiene sia il valore più importante della sua visione del mondo nella società contemporanea?Prima di tutto, ha dimostrato con la sua vita il concetto di internazionalismo. Ha sempre parlato della necessaria unità tra i popoli per poter sconfiggere il nemico comune: l’imperialismo.Lo scrittore Eduardo Galeano ha espresso bene questo concetto nella sua poesia El más nacedor:“Più lo insultano, lo manipolano, lo tradiscono, più lui rinasce. È colui che rinasce di più. Non sarà perché il Che diceva ciò che pensava e faceva ciò che diceva?”Che Guevara ha sempre avuto una profonda idea dell’essere umano, della sua dignità e del suo potenziale. Come crede che la sua filosofia continui a ispirare le persone oggi?L’esempio di Che Guevara è fonte di ispirazione, soprattutto per le nuove generazioni, ma è necessario studiare più a fondo i suoi scritti. Quando li leggiamo, possiamo sentirne la presenza per la loro attualità. Una volta disse che la vita di un essere umano valeva molte volte di più di tutte le ricchezze dell’uomo più facoltoso del mondo. Il rispetto reciproco è fondamentale per poter vivere in pace.Durante tutta la sua vita, suo padre ha cercato di unire pensiero e azione, teoria e pratica. In che modo ritiene che la sua visione possa essere interpretata dalle nuove generazioni?Credo che la risposta sia nelle parole di Galeano, quando diceva che è raro trovare una tale integrità in un essere umano e ancor più in un leader. O quando lo stesso Che parlava della necessità dell’esempio personale per indicare una strada e del principio secondo cui non si può chiedere a qualcun altro di fare qualcosa se non si è disposti a farlo per primi.Dire sempre la verità, interrogarsi su tutto ciò che non si comprende e dichiarare guerra al formalismo. Personalmente, credo che il Che possa essere uno strumento per affrontare la vita e sentirsi completi come esseri umani.L’arte, la letteratura e la cultura in generale hanno avuto un ruolo importante nella sua formazione intellettuale. Quanto è importante oggi la cultura nella conservazione e nella trasmissione del suo messaggio?Cos’è la cultura? Sono le nostre radici, la nostra identità, il nostro modo di vedere la vita e di agire di conseguenza. La cultura è parte essenziale della nostra esistenza, e aspiriamo affinché il Che diventi uno strumento per quella vita, una parte della cultura universale.Avrete sicuramente sentito poesie e canzoni a lui dedicate, e tutte trasmettono qualcosa della sua vita. Quante opere d’arte abbiamo visto? Quanti monumenti? E se un bambino o un giovane si chiede “Chi è quest’uomo?” e impara qualcosa sulla sua vita, allora stiamo facendo progressi.Bologna ha una lunga tradizione di conoscenza, apprendimento e scambio culturale. Cosa significa per lei portare questa mostra in questa città?È una grande opportunità affinché migliaia di giovani possano entrare in contatto con la vita e l’opera di quest’uomo. Se, dopo aver visto la mostra, vorranno saperne di più su di lui e approfondire la loro conoscenza, allora saremo felici e avremo raggiunto l’obiettivo principale dell’esposizione: permettere al Che, all’uomo, attraverso la sua vita e il suo operato, di toccare altre persone. Come disse un patriota cubano: “Anche dopo la morte, possiamo essere utili.” ENGLISH VERSION Bologna is set to host a special exhibition dedicated to Ernesto Che Guevara, an opportunity to explore his ideological and cultural legacy beyond the historical figure. His daughter, Aleida Guevara, will be present at the event, offering a personal and in-depth perspective on her father’s vision. In this interview, we discuss the relevance of his ideals today, the role of culture in preserving his message, and what it means to bring this exhibition to Bologna.The exhibition in Bologna delves into the thought and legacy of Ernesto Che Guevara. What do you think is the most important value of his worldview in contemporary society?First and foremost, he demonstrated the concept of internationalism with his life. He always spoke of the necessary unity among peoples in order to defeat the common enemy: imperialism.The writer Eduardo Galeano captured this idea perfectly in his poem El más nacedor:“The more they insult him, manipulate him, betray him, the more he is reborn. He is the most reborn of all. Could it be because Che said what he thought, and did what he said?”Che Guevara always had a profound understanding of human dignity and potential. How do you think his philosophy continues to inspire people today?Che Guevara’s example is inspiring, especially for younger generations, but his writings must be studied in greater depth. When we read them, we can feel his presence because of their ongoing relevance. He once said that the life of a human being was worth many times more than all the wealth of the richest man in the world. Respect among all people is essential in order to live in peace.Throughout his life, your father sought to unite thought and action, theory and practice. How do you think his vision can be interpreted by new generations?I believe Galeano’s words hold the answer—when he said that it is rare to find such integrity in a human being, and even rarer in a leader. Or when Che himself spoke about the necessity of leading by example, never asking others to do something you are not willing to do yourself.Always tell the truth, question everything you do not understand, and wage war against formalism. Personally, I believe that Che can be a tool for facing life and for feeling whole as a human being.Art, literature, and culture played a significant role in his intellectual formation. How important is culture

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Intervista con Alberto Dambruoso. Le sfide e le situazioni complesse legate all’organizzazione di una grande mostra

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L’organizzazione di una mostra di grande rilevanza, come quella sul Futurismo alla Galleria Nazionale di Roma, presenta spesso molteplici sfide. Ci può parlare delle difficoltà principali che si incontrano nella realizzazione di un progetto di questa portata? Le difficoltà principali nell’affrontare una mostra di questa portata sono quelle legate ai prestiti delle opere. E’ chiaro che avere o non avere in mostra le opere considerate fondamentali per la comprensione di un movimento artistico come in questo caso il Futurismo fa una grande differenza. Altre difficoltà sono quelle di riuscire a realizzare una mostra di livello rientrando nel budget di spesa stanziato dal Ministero. In una situazione come quella recente, in cui si è parlato di possibili interferenze politiche nelle scelte curatoriali, come può un curatore mantenere l’integrità e l’autonomia artistica del progetto? Nel mio caso non c’è stata alcuna interferenza da parte del Ministero della Cultura fino al 17 maggio 2024 quando mi hanno dato il benservito senza alcuna spiegazione. Avevo scritto il progetto scientifico, scelto le opere che andavano in mostra, contattato molti collezionisti e fatto i nomi di molti storici dell’arte per invitarli a partecipare alla mostra e ripeto almeno per il primo anno di lavoro (da gennaio 2023 a maggio 2024) non ho avuto nessun tipo di interferenza. Pertanto questa domanda dovreste rivolgerla a Gabriele Simongini, oggi curatore unico della mostra in programma il prossimo 2 dicembre. Alcuni professionisti hanno raccontato di pressioni esterne o di situazioni delicate che hanno influito sulla loro posizione all’interno del progetto. Qual è la sua opinione su queste dinamiche e come influenzano il lavoro curatoriale? A mio avviso una mostra d’arte dovrebbe essere curata solo da storici dell’arte competenti in materia (in questo caso sul Futurismo) senza che vi siano intromissioni di galleristi privati o di politici che intendono indirizzare la mostra verso i propri interessi personali o di partito. L’arte per definizione è pubblica, di tutti. Non è privata e non è né di destra né di sinistra. Lei ha una lunga esperienza nella gestione di collaborazioni con musei e gallerie. Come si riesce a mantenere una coesione di squadra, nonostante le difficoltà come quelle che ha riscontrato Lei da curatore coinvolto inquanto si e’ visto da un momento all’altro non essere più il co curatore con Gabriele Simongini e quindi ad aver perso tutto il lavoro fatto fino al momento in cui si e’ visto escludere . La coesione di squadra è tuttora in corso con gli altri componenti del fantomatico comitato scientifico che sono stati estromessi dalla mostra come me. A suo avviso, quali sono gli aspetti essenziali che il Ministero della Cultura e le istituzioni coinvolte dovrebbero migliorare per garantire il successo di esposizioni di grande rilevanza, come la mostra sul Futurismo di grande valore artistico? Certamente non incorrere nell’infinita serie di errori che hanno commesso nella gestione di questa mostra. In realtà basta poco: lasciar lavorare i professionisti una volta che sono stati scelti, senza ripensarci quando si è arrivati a 3/4 del percorso. Queste domande aiutano a far emergere le difficoltà e i retroscena legati a progetti artistici di alto profilo e le complessità che i curatori possono incontrare. Interview with Alberto Dambruoso. The challenges and complex situations related to the organization of a large exhibition Organizing a major exhibition, such as the one on Futurism at the Galleria Nazionale in Rome, often presents multiple challenges. Can you tell us about the main difficulties encountered in realizing a project of this magnitude? The main difficulties in tackling an exhibition of this magnitude are those related to the loans of the works. It is clear that having or not having on display the works considered fundamental for the understanding of an artistic movement such as Futurism in this case makes a big difference. Other difficulties are those of managing to organize a high-level exhibition within the budget allocated by the Ministry. In a situation like the recent one, in which there was talk of possible political interference in curatorial choices, how can a curator maintain the integrity and artistic autonomy of the project? In my case there was no interference from the Ministry of Culture until May 17, 2024 when they gave me the sack without any explanation. I had written the scientific project, chosen the works that were to be exhibited, contacted many collectors and named many art historians to invite them to participate in the exhibition and I repeat at least for the first year of work (from January 2023 to May 2024) I had no kind of interference. Therefore, you should ask this question to Gabriele Simongini, now the sole curator of the exhibition scheduled for December 2nd. Some professionals have spoken of external pressures or delicate situations that have influenced their position within the project. What is your opinion on these dynamics and how do they influence the curatorial work? In my opinion, an art exhibition should be curated only by art historians who are competent in the subject (in this case on Futurism) without any interference from private gallery owners or politicians who intend to direct the exhibition towards their own personal or party interests. Art by definition is public, for everyone. It is not private and it is neither right nor left. You have a long experience in managing collaborations with museums and galleries. How do you manage to maintain team cohesion, despite the difficulties like those you encountered as a curator involved when you suddenly found yourself no longer the co-curator with Gabriele Simongini and therefore having lost all the work done up until the moment you were excluded. Team cohesion is still ongoing with the other members of the phantom scientific committee who were excluded from the exhibition like me. In your opinion, what are the essential aspects that the Ministry of Culture and the institutions involved should improve to ensure the success of highly relevant exhibitions, such as the exhibition on Futurism of great artistic value? Certainly not to incur the infinite series of errors they

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Paolo Crepet: Inno alla Libertà e alla riscoperta delle passioni con ‘Mordere il cielo

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Intervista a cura di Carmelita Brunetti ArtonWorld ha l’onore di ospitare il grande Paolo Crepet, il famoso psichiatra, sociologo e saggista che ci illuminerà con la sua saggezza e le sue riflessioni sulla vita, l’amore e la società. Ma non perdiamo tempo e diamo subito il benvenuto al nostro ospite speciale! Paolo Crepet: grazie per l’invito. Carmelita Brunetti: Benvenuto caro Paolo Crepet! Entriamo subito nel vivo della nostra conversazione. Tu hai scritto tantissimi libri che toccano il cuore di tante persone. Cosa ti ispira a scrivere? Paolo Crepet: La mia principale fonte di ispirazione è la vita stessa. Osservare le persone, ascoltare le loro storie, comprendere le loro emozioni e le loro sfide mi dà il materiale per riflettere e poi scrivere. Credo che la letteratura e la psichiatria abbiano il compito di aiutare le persone a capirsi meglio e a vivere con più consapevolezza. Carmelita Brunetti: Che meraviglia! È proprio vero, ogni tua parola è terapeutica, infondo la scrittura è una forma d’arte bellissima che aiuta a comprendere gli stati d’animo dell’essere umano. Parlando di sfide, viviamo in un’epoca piena di cambiamenti e incertezze. Quali pensi siano le sfide principali che la nostra società deve affrontare oggi? A noi genitori manca il coraggio per aiutare i figli nelle scelte di vita? Paolo Crepet: Sicuramente manca il coraggio e non solo una delle sfide principali è sicuramente quella della solitudine. Viviamo in un mondo iperconnesso, ma paradossalmente molte persone si sentono più sole che mai. È importante ricostruire il senso di comunità, di appartenenza e di relazione autentica. Un’altra grande sfida è quella della salute mentale, specialmente tra i giovani, che spesso si trovano a dover affrontare pressioni e aspettative molto elevate. I genitori anch se sbagliano non devono sentirsi in colpa, bisogna lasciare liberi i giovani di fare le proprie scelte. Se a scuola non prendono voti alti non è necessario arrabbiarsi con il docente ma cercare di capire come mai il ragazzo non studia è più importante di un voto basso. Carmelita Brunetti: Parli con una profondità che tocca il cuore. E a proposito di giovani, quali consigli daresti ai genitori di oggi, genitori spesso adolescenti, per crescere figli felici e sicuri di sé? Paolo Crepet: Il primo consiglio che darei è quello di ascoltare i propri figli. Spesso siamo così presi dalle nostre vite frenetiche che dimentichiamo l’importanza dell’ascolto. Bisogna essere presenti, non solo fisicamente ma anche emotivamente. Inoltre, è fondamentale educare al rispetto, alla gentilezza e alla resilienza, valori che aiutano i giovani a diventare adulti equilibrati e felici. Carmelita Brunetti: Siamo qui per approfondire l’ultimo capolavoro di Paolo Crepet, “Mordere il cielo”. Un titolo evocativo che già ci fa sognare, vero? Ma scopriamo insieme di cosa parla questo libro e cosa lo rende così speciale. Carmelita Brunetti: Paolo, raccontaci un po’ di “Mordere il cielo”. Cosa ti ha spinto a scrivere questo libro? Come nasce il titolo? Paolo Crepet: “Mordere il cielo” nasce dal desiderio di esplorare il tema della libertà, sia personale che collettiva. È un libro che vuole incoraggiare le persone a rompere le catene delle convenzioni sociali e delle paure che spesso ci impediscono di vivere pienamente. Ho voluto scrivere un inno alla vita, all’energia vitale che ci spinge a superare i nostri limiti e a cercare sempre nuovi orizzonti. Carmelita Brunetti: Solo il titolo è già una poesia, si sentono vibrare le emozioni. Ma cosa possiamo aspettarci dalle pagine di questo libro? Ci sono storie particolari o personaggi che ti hanno ispirato? Leggendo i capitoli del libro si riconosce l’Io narrante e spesso ci mette di fronte a riflessioni importanti come ad esempio riconoscere la DIGNITA’, EMOZIONE, LIBERTA’. Come possiamo insegnare il valore della Dignità ai giovani? Paolo Crepet: Nel libro ho voluto raccontare storie di persone che hanno avuto il coraggio di cambiare, di mettersi in gioco. Sono storie vere, di uomini e donne che, in modi diversi, hanno scelto di mordere il cielo, di non accontentarsi di una vita incolore. C’è la storia di chi ha lasciato tutto per seguire una passione, di chi ha combattuto contro le proprie paure e ha trovato la forza di rinascere. Ogni storia è un esempio di come sia possibile reinventarsi e trovare la propria strada. Riguardo la dignità non c’è un insegnamento per far capire cos’è la dignità ma c’è l’esempio che puo venire da un insegnante di Sport, da un amico, da un insieme di persone che ti fanno capire il valore della dignità. Carmelita Brunetti: Ma parlando di libertà, come possiamo noi, nel nostro quotidiano, imparare a “mordere il cielo”? Come riconosciamo le emozioni e come facciamo a farle capire ai giovani sin dall’infanzia? Le emozioni da sempre sono state raccotate da filosofi antichi come Paltone sino ai giorni nostri, ma cose si fa a far liberare il “pensiero libero” nei ragazzi? Paolo Crepet: Il primo passo è quello di ascoltare se stessi, di capire cosa desideriamo veramente al di là delle aspettative degli altri. Bisogna avere il coraggio di fare delle scelte, anche se possono sembrare difficili o controcorrente. È fondamentale anche circondarsi di persone che ci sostengono e ci incoraggiano. E infine, non avere paura di fallire. Ogni errore è un’opportunità per crescere e imparare qualcosa di nuovo. Per riconoscere le emozioni non esiste un decalogo, anche se molti cercano le regoline d’oro, una sorta di manuale, no le emozioni sono le emozioni, devono essere gestite senza il controllo degli adulti se parliamo di giovani. Inoltre lasciamo che i giovani sbaglino e che prendano anche dei votacci, i genitori non devono essere cosi aggressivi contro i docenti. Carmelita Brunetti: Il mondo tecnologico, la IA, la realtà aumentata, i social network sembrano spaventare e creare stati ansiosi Carmelita Brunetti: Sagge parole. “Mordere il cielo” sembra davvero un libro che tutti dovrebbero leggere per ritrovare se stessi e il coraggio di vivere appieno. Qual è il messaggio principale che vuoi lasciare ai tuoi lettori con questo libro? Paolo Crepet: Il messaggio principale è quello di non accontentarsi, di non

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Intervista a Annabelle Ténéze direttrice del Louvre-Lens

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Al Museo del Louvre per l’edizione 2023, hanno invitato nuovamente Annabelle Ténèze a presentare un’esposizione di opere contemporanee progettate da ventisei artisti, la Cinquième Saison sede espositiva nel Jardin des Tuilleries Come è nato questo progetto espositivo per Art Basel? Grazie alla collaborazione tra il Musée du Louvre e Paris+ attraverso Art Basel, offriamo una mostra d’arte contemporanea di grande formato, completamente gratuita, nel cuore di uno degli spazi più frequentati e maestosi di Parigi. La mostra sarà visitata sia da appassionati d’arte desiderosi di scoprire nuovi artisti o nuove opere di artisti affermati, sia da persone non abituate all’arte contemporanea, e per alcuni sarà il primo incontro con l’arte contemporanea. La mostra riunisce le opere di 26 artisti di diverse nazionalità e continenti, ognuno dei quali propone un dialogo originale con i Jardin des Tuileries. Intitolata “La quinta stagione”, le opere degli artisti propongono una rivisitazione contemporanea del genere del paesaggio all’interno del paesaggio stesso dei Jardin des Tuileries.Il tema delle Quattro Stagioni è un genere importante nella creazione artistica. I capolavori di Archimboldo e Nicolas Pousssin su questo tema, conservati al Louvre e proseguiti alle Tuileries, testimoniano che gli artisti si sono continuamente interrogati sul rapporto dell’uomo con la natura, sulle tracce che l’uomo lascia su di essa, ma anche su quelle che essa lascia su di noi. Dopo il mio primo progetto dello scorso anno, “La Suite de l’histoire”, sui monumenti alternativi, la presenza e l’assenza nello spazio pubblico, il mio secondo progetto per i Jardin des Tuileries si concentra sulla vita in questo spazio naturale nel cuore della città. Come gli artisti di oggi stiano dando forma a questa “quinta stagione”, a noi ancora sconosciuta. Tra le opere proposte nella call for projects mondiale lanciata qualche mese fa, aperta a tutte le gallerie e a tutti gli artisti al di là di quelli presenti solo in fiera, molti artisti hanno proposto opere come “oggetti viventi”, opere dotate di vita propria, da cui l’idea di una mostra che esplora i Giardini delle Tuileries come luogo in cui convivono acqua, piante, minerali, animali e uomini, insomma tutte le forme di vita che lo abitano. La sede è molto bella, ci parli dell’allestimento e del successo delle opere di questa mostra. Il Jardin des Tuileries è un luogo dalle molteplici sfaccettature. Situato tra Place de la Concorde e il Louvre, è innanzitutto un luogo di storia, anche politica.È anche un luogo d’arte: un luogo di storia dell’arte del paesaggio e dei giardini da diversi secoli a oggi, un museo d’arte all’aperto con sculture risalenti a diversi secoli fa e sculture del XX secolo (Jean Dubuffet, Germaine Richier, Giuseppe Pennone).Una delle poche isole di verde nell’ambiente urbano di una capitale, questa è una delle zone di passeggio più frequentate di Parigi, che attira sia i frequentatori abituali che i turisti. È la combinazione di tutte queste caratteristiche che mi interessa. Esporre in un sito storico e in un luogo pubblico conferisce necessariamente una dimensione diversa a un’opera d’arte contemporanea, e una creazione contemporanea rivela necessariamente una sfaccettatura diversa del sito. Alcune opere sono già esistenti, altre sono state adattate e altre ancora sono state create per il sito. Ritengo che sia importante per un progetto come questo poter presentare diverse generazioni di artisti, personalità provenienti da vari continenti e una varietà di mezzi e forme di lavoro. L’obiettivo è dare coerenza all’insieme, ma anche fare in modo che ogni opera esista individualmente. In un luogo come questo, la scelta dei luoghi è essenziale per creare un forte dialogo con i vari spazi del giardino. Così le opere di quattro artisti – Joel Andrianomearisoa, Julien Berthier, Claudia Comte e Jacqueline de Jong – sono state collocate in modo spettacolare nelle fontane delle Tuileries. Foglie e patate di marmo sembrano scaturire dalle fontane, mentre il vetro brilla e racconta una nuova storia. Alcune opere sono anche in dialogo più preciso con il paesaggio, prendendo posto su letti d’erba, come l’opera di Henrique Oliveira, che sembra emergere dall’erba ed essere un’estensione del terreno. Le figure di Zanele Muholi e Vojtech Kovarik diventano abitanti sorprendenti e fantastici di questo giardino. I cervi e le tartarughe di Gloria Friedmann o la farfalla di Nicène Kossentini evidenziano anche la vita animale del Giardino.Si può anche visitare l’interno della casa sperimentale di Jean Prouvé e Pierre Jeanneret, o sedersi sulla colorata panchina-casa di Claudia Wieser.I temi che emergono lungo il percorso conferiscono alla mostra un senso di coerenza: un gruppo di opere, ad esempio, è dedicato al potere delle pietre e delle forme minerali, un altro all’habitat, un terzo agli animali, un quarto all’energia del suolo, un quinto alle piante e un ultimo alle risorse idriche. La mostra è stata concepita come un percorso autoguidato: ha senso se si inizia la visita dall’arco di trionfo del Caroussel du Louvre o dalla Concorde. È una sfida trasformare una passeggiata in una mostra, e una mostra in una passeggiata attraverso un mondo che è allo stesso tempo familiare e nuovo!Spero che tutti possano viverla in prima persona. Grazie Carmela Brunetti Director & CEO ArtonWorld.com Interview avec Annabelle Ténèze directrice du Louvre-Lens Au Musée du Louvre, pour l’édition 2023, ils ont de nouveau invité Annabelle Ténèze à présenter une exposition d’œuvres contemporaines conçues par vingt-six artistes, la Cinquième Saison lieu d’exposition au Jardin des Tuilleries Comment est né ce projet d’exposition pour Art Basel ? Grâce à la collaboration entre le Musée du Louvre et de Paris+ par Art Basel, nous proposons une exposition d’art contemporain de grand format, complètement gratuite, au coeur d’un espace majestueux parmi les plus fréquentés de Paris. L’exposition sera vue aussi bien par des amateurs d’art ayant à coeur de découvrir de nouveaux artistes ou des creations inédites d’artistes aguerris, que par des personnes qui n’ont pas l’habitude de l’art contemporain, voire pour certain une toute première rencontre avec l’art contemporain. L’exposition rassemble les oeuvres de 26 artistes de différentes nationalités et continents, à parité, qui chacune offre un dialogue originale avec le Jardin

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Yayoi Kusama: Infinite Love at the San Fransisco Museum of Modern Art SFMOMA

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by Carmelita Brunetti Clamoroso arrivo della prima mostra personale dell’artista giapponese Yayoi Kusama: Infinite Love nelle grandi sale del SFMOMA nel nord della Califormia. Yayoi Kusama è una delle figure artistiche più famose al mondo. La ricerca artistica dell’artista giapponese Yayoi Kusama nata nel 1929 a Matsumoto, in Giappone, ha raggiunto il successo in Patria e negli ’60 a New York dove si è affermata come artista pionieristica d’avanguardia mettendo in scena performance, eventi e mostre rivoluzionarie. Dal 1973 è tornata in Giappone a Tokyo dove vive e lavora. Il suo lavoro ha ottenuto un rinnovato riconoscimento diffuso alla fine degli anni ’80 a seguito di numerose importanti mostre personali internazionali. Ha creato il suo primo ambiente specchiato nel 1965, la sua prima Infinity Mirror Room oscurata nel 2000, e da allora ha costruito oltre 20 di queste installazioni che sono diventate le preferite dal pubblico di tutto il mondo. Nel 1993, Kusama ha rappresentato il Giappone al 45° Biennale di Venezia, riscuotendo grandi consensi dalla critica, e nel 1994 inizia a realizzare sculture all’aperto. L’artista ha sempre puntato a valorizzare la vita grazie alla scelta di una simbologia di forme geomentriche soft, morbide come i pois.L’evento aperto al pubblico dal 14 ottobre 2023 al 07 settembre 2024 è una grande occasione per conoscere l’ultimo lavoro di Kusama intitolato Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love (2023), presentato per la prima volta a New York presso la prestigiosa galleria Zwimer. Gli spazi nelle sale diventano un’esplosione di colore con le installazioni psichedeliche intitolate Infinity Mirror Rooms riguardo questa serie di lavori lei dichiara “ …Entra nel luogo dei coloriI pois lasciano entrare la luce del sole della terra. Il cuore è pieno della luce splendente del soleTutte le persone che entrano cercando la gioia di essere vivi. Lascia che ci sia eterna armonia tra tutti nei circoli e nei cicli della vita. Pace e amore infinito per tutti.” . Questa mostra è una importante occasione per far vivere agli amanti dell’arte contemporanea, la ricerca estetica dell’artista giapponese con i suoi Pois, cerchi tutti colorati e armoniosi pronti a coinvolgere un pubblico sempre più intrigato, quasi ipnotizzato dall’energia che i cerchi liberano nell’atmosfera. Yayoi Kusama con Infinite Love presenta l’ultima suggestiva installazione performativa Infinity Mirror Room, un’opera d’arte che coinvolge il pubblico regalando la magia del surreale e della sensazione di sogno, si mescolano gli stili e le tendenze artistiche dall’arte Pop sino ad arrivare all’arte psichedelica o cinetica. Le pareti delle stanze sono ricoperte da specchi per ottenere gli effetti di luoghi infiniti e anche stranianti. Queste opere racchiudono l’esperienza artistica dell’artista. Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love del 2023, accoglie lo spettatore in un universo di luci multicolori, uno spazio immenso fra i grandi punti acrilici colorati che si alternano in un gioco di luce e riflessi sulle superfici specchianti.Con la realizzazione di questa grande mostra personale di Yayoi Kusama: Infinite Love si vuole dimostrare l’impegno di SFMOMA di presentare il lavoro di artisti asiatici e AAPI, inclusa la prima retrospettiva di Pacita Abad in questo autunno, una galleria di dipinti e disegni di Hung Liu e mostre collettive attuali e future con opere chiave della collezione del museo degli artisti giapponesi Yoko Ono, Tatsuo Miyajima, Rakuko Naito, Tadaaki Kuwayama e Takashi Arai, tra gli altri. SFMOMA è anche riconosciuto per la sua significativa collezione di fotografie giapponesi. PER LEGGERE L’INTERA PUBBLICAZIONE CLICCA QUI Clamorous arrival of Japanese artist Yayoi Kusama’s first solo exhibition Yayoi Kusama: Infinite Love in the grand halls of SFMOMA in Northern California. Yayoi Kusama is one of the most famous artistic figures in the world. The artistic pursuit of Japanese artist Yayoi Kusama, born in 1929 in Matsumoto, Japan, achieved success in her homeland and in the 1960s in New York, where she established herself as a pioneering avant-garde artist creating groundbreaking performances, events and exhibitions. Since 1973 she has returned to Japan, to Tokyo, where she lives and works. Her work gained new recognition in the late 1980s following several major international solo exhibitions. She created her first mirrored environment in 1965, her first darkened Infinity Mirror Room in 2000, and has since built more than 20 such installations that have become favorites with audiences around the world. In 1993, Kusama represented Japan at the 45th Venice Biennale, receiving great critical acclaim, and in 1994 she began making outdoor sculptures. The artist has always focused on enhancing life through her choice of a symbology of soft, geomentric forms, as fluffy as polka dots.The event, open to the public from Oct. 14, 2023 to Sept. 7, 2024, is an excellent opportunity to learn about the latestThe event open to the public from Oct. 14, 2023 to Sept. 07, 2024 is a great opportunity to learn about Kusama’s latest work titled Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love (2023), presented for the first time in New York at the prestigious Zwimer Gallery. The spaces in the rooms become an explosion of color with psychedelic installations titled Infinity Mirror Rooms about this series of works she states ” …Enter the place of colors.The polka dots let in the sunlight of the earth. The heart is filled with the shining light of the sun.All the people who enter seeking the joy of being alive. Let there be eternal harmony among all in the circles and cycles of life. Peace and infinite love to all.” . This exhibition is an important opportunity for contemporary art lovers to experience the Japanese artist’s aesthetic quest with her Pois, circles that are all colorful and harmonious and ready to engage an increasingly intrigued audience, almost hypnotized by the energy the circles release into the atmosphere.Yayoi Kusama with Infinite Love presents the latest evocative performance installation Infinity Mirror Room, a work of art that engages the audience by giving the magic of the surreal and the sensation of dreaming, art styles and trends from Pop art to psychedelic or kinetic art are mixed. The walls of

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Rimini between cinema and art. From the Fellini Museum to ancient art to be relived together

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by Noemi Adabbo “Tu saresti capace di piantare tutto e ricominciare la vita da capo?”, chiedeva Guido Anselmi interpretato da Marcello Mastroianni ad una splendida Claudia Cardinale in Otto e mezzo: quale frase felliniana più azzeccata, ahimè, per la Romagna di questi giorni. È stato un maggio nefasto a causa dell’alluvione che ha colpito molte città dell’Emilia Romagna tentando di portare via l’allegria di questa terra, tanto conosciuta e amata dai turisti, ma senza intaccarne la memoria. Fellini nacque proprio qui, a Rimini, dove girò Amarcord (in dialetto romagnolo “mi ricordo”), la sua opera più intima e personale che gli valse il premio Oscar nel 1973: la pellicola accompagna Rimini nella storia del cinema che a sua a volta ha deciso di ricambiarla con il Fellini Museum, l’unico museo al mondo dedicato interamente ed unicamente al regista. Il progetto vede la luce nell’estate del 2021 e sceglie come protagonisti tre palcoscenici della città per attirare il proprio pubblico: Castel Sismondo (sezione più ampia riguardante i momenti salienti dell’artista), Palazzo del Fulgor (dedicato ai primi passi felliniani nel mondo del cinema, alla sua giovinezza e alla sua sperimentazione) e Piazza Malatesta (vero e proprio set a cielo aperto dove vengono proiettate le tre aree principali della panca circolare, del velo d’acqua e del bosco dei nomi ravvisabili in Amarcord), luoghi che oggi ospitano un impianto audiovisivo e documentale e un percorso di narrazioni partecipate tali per cui l’esperienza risulti il più immersiva possibile. Rimini si palesa quindi come polo artistico degli amanti della macchina da presa, centro propulsore di quella magia che soltanto un buon cineasta sa riconoscere e apprezzare.La città di Rimini si rende protagonista non soltanto delle più ambite mete estive del litorale adriatico ma anche di uno snodo sinergico tra i più antichi e geograficamente strategici: la Via Flaminia (che porta a Roma), Emilia (verso Milano) e Popilia (fino ad Aquileia) si incontrano sulle sue strade, in quella che era conosciuta come Ariminum, fondata dai Romani nel 268 A.C. Non per niente, di impronta fortemente romana è l’impianto urbanistico e importanti i legami che hanno arricchito il territorio di opere d’arte, le principali conservate al Museo della Città che raccoglie con parsimonia le tracce del cittadino riminese dagli antipodi alla storia contemporanea. Forte di un patrimonio millenario, il museo ospita la Pinacoteca esponente la celeberrima Scuola Riminese, dal Trecento con Il Crocifisso di Giovanni Da Rimini e il Trittico con l’incoronazione della Vergine di Giuliano si passa al Quattrocento con Giovanni Bellini, Agostino Di Duccio e Matteo De’ Pasti che hanno reso onore alla corte malatestiana. La linea storica del museo si spinge fino all’800 , passando per le influenze gotiche e rinascimentali del nord tipiche del ‘500 alla natura morta del ‘600 e ‘700 a cui è stato dedicato il secondo piano. Rimini è anche archeologia, grazie ai suoi scavi e ritrovamenti tra cui la Domus del Chirurgo, abitazione romana della seconda metà del II secolo, scoperta in Piazza Luigi Ferrari nel 1989, che ha portato alla luce il più grande repertorio di strumenti chirurgici dell’impero romano. In ultimo ma non per importanza, il Tempio Malatestiano voluto da Sigismondo Pandolfo Malatesta, riportante Il Crocifisso di Giotto, la Biblioteca Civica Gambalunga, tra le più importanti e antiche d’Italia, e il Teatro Amintore Galli, teatro principale di Rimini, progettato da Luigi Poletti e inaugurato da Giuseppe Verdi nel 1857. Rimini si palesa come meta culturale e non solo turistica, o perlomeno, capace di un turismo prepotentemente artistico. PER LEGGERE L’INTERA PUBBLICAZIONE CLICCA QUI “Would you be able to plant everything and start life all over again?” asked Guido Anselmi played by Marcello Mastroianni to a splendid Claudia Cardinale in Otto e mezzo: what Fellini phrase more apt, alas, for Romagna these days. It was a disastrous May due to the floods that hit many cities in Emilia Romagna trying to take away the joy of this land, so well known and loved by tourists, but without affecting its memory. Fellini was born right here, in Rimini, where he filmed Amarcord (in Romagnolo dialect, “I remember”), his most intimate and personal work that won him an Oscar in 1973: the film accompanies Rimini in the history of cinema, which in turn has decided to reciprocate with the Fellini Museum, the only museum in the world dedicated entirely and solely to the director. The project sees the light of day in the summer of 2021 and chooses three of the city’s stages as protagonists to attract its audience: Castel Sismondo (the largest section concerning the artist’s highlights), Palazzo del Fulgor (dedicated to Fellini’s first steps in the world of cinema, his youth and experimentation) and Piazza Malatesta (a true open-air set where the three main areas of the circular bench, the veil of water and the forest of names discernible in Amarcord are projected), places that now house an audiovisual and documentary installation and a path of participatory narratives such that the experience is as immersive as possible. Rimini thus emerges as an artistic hub for lovers of the camera, a driving force behind the magic that only a good filmmaker can recognize and appreciate.The city of Rimini makes itself the protagonist not only of the most sought-after summer destinations on the Adriatic coast but also of one of the most ancient and geographically strategic synergistic junctions: the Via Flaminia (leading to Rome), Emilia (toward Milan) and Popilia (to Aquileia) meet on its roads, in what was known as Ariminum, founded by the Romans in 268 B.C.Not for nothing, of strongly Roman imprint is the urban layout and important are the links that have enriched the territory with works of art, the main ones preserved at the City Museum, which sparingly collects the traces of the Rimini citizen from the antipodes to contemporary history. On the strength of a millennia-old heritage, the museum houses the Pinacoteca exposing the celebrated Riminese School, from the 14th century with Giovanni Da Rimini’s The Crucifix and Giuliano’s Triptych with the Coronation of the Virgin

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Julian Charrière: Erratic at SFMOMA

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L’artista Julian Charrière è nato a Born nel 1987 in Svizzera, ha viaggiato in regioni polaRi in cui l’essere umano difficilmente raggiunge. La sua esploraizone punta a testimoniare il cambiamento climatico e i disastri climatici che stanno subendo i ghiacciai. Il rapporto con l’ambinete glaciale è stato complicato, ma la sua volontà di presentare quei luoghi è stata così forte da far realizzare all’artista un filmato che riprende i monti bui della notte quando i ghiacciai nel silenzio si muovono ed emettono rumori che fanno sentire l’essere umano piccolissimo e debole di fronte alla forza impetuosa della natura.Questa rassegna è la prima mostra personale dell’artista sulla West Coast, Julian Charrière: Erratic presenta opere multimediali che ruotano attorno all’impegno poetico dell’artista con i paesaggi di ghiaccio, sfidando i nostri costrutti di temporalità differenti e portando l’attenzione sulle tracce e sugli effetti di lunga durata delle interferenze umane nella natura. L’opera centrale di questa mostra cinematografica e sensoriale è Towards No Earthly Pole (2019), un film panoramico che combina riprese inquietanti di ghiacciai effettuate di notte durante le spedizioni dell’artista in varie regioni glaciali.Il visitatore della mostra si sente partecipe di un progetto culturale realizzato dall’artista volto a scuotere le coscienze di tutti noi e tentare di dare valore a quelle aree che spesso sono sconosciute e hanno bisogno di essere presentate nel mondo politico e culuturale per tentare una svolta verso la salvaguardia dell’ecosistema.Julian Charrière: Erratic è sostenuta da Etant donnés Contemporary Art, un programma di Villa Albertine e della Fondazione FACE, in collaborazione con l’Ambasciata di Francia negli Stati Uniti, con il sostegno del Ministero della Cultura francese, dell’Institut français, della Fondazione Ford, della Fondazione Helen Frankenthaler, di CHANEL e di ADAGP. PER LEGGERE L’INTERA PUBBLICAZIONE CLICCA QUI Artist Julian Charrière was born in Born in 1987 in Switzerland and has traveled to polar regions where the human being hardly reaches. His exploration aims to witness climate change and the climatic disasters that glaciers are suffering. The relationship with the glacial ambinete was complicated, but his desire to present those places was so strong that the artist made a film that captures the dark mountains of the night when glaciers in the silence move and emit noises that make human beings feel tiny and weak in the face of the impetuous force of nature.This exhibition is the first solo show of artist on the West Coast, Julian Charrière: Erratic presents multimedia works that revolve around the artist’s poetic engagement with ice landscapes, challenging our constructs of different temporalities and bringing attention to the traces and long-lasting effects of human interference in nature. The central work in this cinematic and sensory exhibition is Towards No Earthly Pole (2019), a panoramic film that combines eerie footage of glaciers taken at night during the artist’s expeditions to various glacial regions.The visitor to the exhibition feels like a participant in a cultural project carried out by the artist aimed at shaking the consciences of all of us and attempting to give value to those areas that are often unknown and need to be presented in the political and culutural world in order to attempt a breakthrough toward the preservation of the ecosystem.Julian Charrière: Erratic is supported by Etant donnés Contemporary Art, a program of Villa Albertine and the FACE Foundation, in collaboration with the Embassy of France in the United States, with support from the French Ministry of Culture, the Institut français, the Ford Foundation, the Helen Frankenthaler Foundation, CHANEL and ADAGP. TO READ THE COMPLETE ARTICLE CLICK HERE

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