Nell’esercizio della mia professione mi è capitato di assistere a scontri frontali non solo tra componenti di uno stesso Archivio, Comitato o Fondazione («enti certificatori», di varia origine e composizione, i cui «responsi» sono tendenzialmente ritenuti autorevoli), ma anche tra le opinioni espresse dall’ente certificatore e le conclusioni, spesso di matrice rigorosamente scientifica, raggiunte da studi di diagnostica applicata all’arte o da grafologi esperti. Né sono mancate battaglie interne, tra enti certificatori afferenti all’opera di uno stesso artista. Occorre fare ordine.La perizia d’arte è un’analisi dell’opera d’arte compiuta da un esperto, più o meno riconosciuto, al fine di pervenire, con il miglior grado di approssimazione possibile, alla designazione di epoca, paternità e valore venale.Si distingua poi tra autenticazione (espressione di un parere tecnico circa la paternità) e accreditamento (attestazione di un parere tecnico o di altre circostanze esterne che possono indurre ad una attribuzione di paternità). La perizia che contempli anche la stima di un bene può definirsi estimativa, a differenza della valutazione che mira a stabilire autenticità e paternità del dipinto, propriamente detta expertise. L’expertise, che non ammette per legge posizioni attributive monopolistiche, le quali purtroppo si sono invece imposte nella prassi in modo e in misura aberranti, è una libera manifestazione del pensiero (espressione di una opinione) costituzionalmente tutelata (art. 21 Cost.).Il «conoscitore», soprattutto nel caso dell’arte antica, si vale del proprio occhio per assegnare l’opera ad un determinato autore, ma si ritiene oggi altresì molto rilevante l’indagine scientifica, con perizia grafologica sulla firma e vari esami diagnostici, ad esempio sui supporti e sui pigmenti. Infine, assai utile può rivelarsi la ricerca d’archivio e l’indagine a ritroso sulla “storia esterna dell’opera”.Sono tutte procedure d’indagine necessarie tanto agli operatori di mercato, quanto ai collezionisti e ai musei. Passiamo ora all’art. 64 del Codice dei beni culturali (d. lgs. n. 42/2004), a norma del quale «chiunque esercita l’attività di vendita al pubblico, di esposizione a fini di commercio o di intermediazione finalizzata alla vendita di opere di pittura, di scultura, di grafica ovvero di oggetti di antichità, o di interesse storico od archeologico […] ha l’obbligo di consegnare all’acquirente la documentazione attestante la autenticità o, almeno, la probabile attribuzione e la provenienza delle opere medesime; ovvero, in mancanza, di rilasciare […] una dichiarazione recante tutte le informazioni disponibili sull’autenticità o la probabile attribuzione e la provenienza. Tale dichiarazione, ove possibile in relazione alla natura dell’opera e dell’oggetto, è apposta su copia fotografica degli stessi». LEGGI L’ARTICOLO COMPLETO In my professional practice, I have witnessed direct confrontations not only among members of the same Archive, Committee, or Foundation (“certifying bodies” of various origins and compositions, whose “responses” are generally considered authoritative) but also between the opinions expressed by the certifying body and the conclusions, often strictly scientific, reached by studies in art diagnostic techniques or expert graphologists. There have also been internal battles among certifying bodies dealing with the works of the same artist. It’s time to bring some clarity.An art appraisal is an analysis of an artwork conducted by an expert—recognized to varying degrees—in order to determine, with the best possible approximation, the period, authorship, and market value.One must distinguish between authentication (an expert’s technical opinion on authorship) and accreditation (certification of a technical opinion or other external circumstances that may suggest an attribution). Appraisals that also include an estimation of the object’s value can be called estimative, in contrast to evaluations aimed at determining authenticity and authorship, properly referred to as expertise. Expertise, which by law does not allow monopolistic attributional positions—though such practices have unfortunately taken root in an aberrant way—is a constitutionally protected free expression of thought (Article 21 of the Italian Constitution).The “connoisseur,” especially in the case of ancient art, uses their trained eye to attribute the work to a specific artist. However, scientific investigation is now considered equally significant, including graphological analysis of signatures and various diagnostic tests, such as those on supports and pigments. Additionally, archival research and backtracking the “external history of the artwork” can prove extremely valuable.These investigative procedures are essential for market operators, collectors, and museums alike.Let us now examine Article 64 of the Code of Cultural Heritage (Legislative Decree No. 42/2004), which states that “anyone engaging in public sales, exhibitions for commercial purposes, or intermediation aimed at selling paintings, sculptures, graphic works, or objects of antiquity or of historical or archaeological interest […] is required to provide the buyer with documentation certifying the authenticity or, at least, the probable attribution and provenance of the items; or, if unavailable, to issue […] a declaration containing all available information regarding authenticity, probable attribution, and provenance. Where possible, in relation to the nature of the artwork or object, this declaration must be affixed to a photographic copy of the items.” TO READ THE COMPLETE ARTICLE CLICK HERE

Consuelo Kanaga: Cattura lo spirito presenta la prima retrospettiva sulla West Coast dedicata a questa figura centrale ma spesso trascurata nella storia della fotografia moderna. Artista attiva tra San Francisco e New York, Consuelo Kanaga è stata una delle prime donne a lavorare come fotoreporter per un importante quotidiano, il San Francisco Chronicle, negli anni ’10. Negli anni ’30, si è associata a collettivi fotografici influenti, tra cui il Group f.64 nella Bay Area e la Photo League a New York. Nel corso di sei decenni, Kanaga ha promosso il valore artistico della fotografia e documentato temi sociali urgenti, dalla povertà urbana ai diritti dei lavoratori, dal terrore razziale all’ingiustizia sociale. Il suo lavoro resta potente e attuale ancora oggi. LEGGI L’ARTICOLO COMPLETO Consuelo Kanaga: Catch the Spirit marks the first West Coast retrospective of this pivotal yet often overlooked figure in the history of modern photography. A bi-coastal artist based in both San Francisco and New York, Consuelo Kanaga was one of the first women to work as a photojournalist for a major daily newspaper, the San Francisco Chronicle, in the 1910s. In the 1930s, she became involved with several influential photographer collectives, including Group f.64 in the Bay Area and the Photo League in New York. Over six decades, Kanaga championed the artistic value of photography while documenting critical social issues, including urban poverty, workers’ rights, racial terror, and inequality. Her work remains as powerful and relevant today as it was during her lifetime. TO READ THE COMPLETE ARTICLE CLICK HERE

“Immortal: A Focus on Figurative Painting in France” esplorerà il contesto storico e le influenze degli artisti figurativi francesi. Quali artisti o opere ritieni incarnino meglio il legame tra la pittura figurativa contemporanea e i maestri del passato?L’idea con i curatori ospiti Amélie Adamo e Numa Hambursin era di mostrare come la pittura figurativa sia stata in effetti un elemento permanente in Francia sin dal dopoguerra. La selezione di 30 artisti scelti a questo scopo va da artisti pionieristici come Jean Hélion alla nuova figurazione degli anni ’60 e ’70, in particolare il movimento della figurazione narrativa con artisti come Dado, Gérard Schlosser, Sabine Monirys. Continua fino agli anni ’80 e alla figurazione libre, rappresentata da Robert Combas, prima di presentare la nuova generazione con Dhewadi Hadjab, Laurent Proux e Barbara Navi tra gli altri.In che modo le differenze generazionali tra gli artisti selezionati per “Immortal” influenzeranno la visione curatoriale complessiva, considerando che alcuni provengono da contesti molto diversi in termini di stile e tecnica?Questo focus evidenzia una resistenza all’idea che “la pittura sia morta”, una convinzione che attraversa le generazioni dimostrando che questo dialogo intergenerazionale non è mai cessato. Mette anche in mostra la diversità delle pratiche attuali. Dopo essere stata lasciata fuori al freddo per molti anni sia dai critici che dalle istituzioni, la pittura figurativa ha visto una rinascita di interesse in Francia dal 2020 e una nuova generazione di artisti si è fatta un nome con successo. Secondo Amélie Adamo, questi artisti “situano la loro pratica in relazione alla lunga storia dell’arte, pur assumendo la natura paradossale della loro posizione: non sono solo gli eredi di una tradizione secolare tramandata dai grandi maestri, ma possono anche riflettere sulle trasformazioni rivoluzionarie che l’immagine ha subito. Possono attingere alla tradizione, mentre confondono i confini della discendenza guardando alla cultura popolare e alle nuove scuole di pensiero per trarre ispirazione. E infine, possono immergersi nel fascino dell’arte contemporanea per l’ibridazione, pur insistendo sulla necessità del rigore formale.Il settore “Promises” ha visto una partecipazione crescente di gallerie giovani e internazionali. Come vede l’evoluzione di questo spazio dedicato alle gallerie emergenti rispetto alle edizioni precedenti? Quali tendenze stanno emergendo da questi nuovi attori?Il settore Promises per le gallerie giovani e gli artisti emergenti sta effettivamente crescendo in termini di dimensioni con 25 gallerie invece di 9 e una nuova sede sui balconi che si affacciano sulla navata centrale del Grand Palais. La selezione è stata affidata alle abili mani del curatore della mostra Marc Donnadieu, che è anche membro del comitato di selezione di Art Paris. Siamo lieti dell’ampia gamma di paesi rappresentati. Il 59% delle gallerie espositrici proviene da fuori dalla Francia: Sudafrica, Belgio, Canada, Kuwait, Italia, Giappone, Hong Kong, Guatemala, Regno Unito, Singapore e Slovacchia. Tra le tendenze degne di nota c’è la pittura figurativa con artisti come Killion Huang (Edji Gallery), Israfil Ridhwan (Cuturi) e Nour Elbasuni (Hunna Art), che affrontano questioni di identità e genere. Anche la natura è un argomento di interesse, come si vede nel lavoro di Marco Emmanuele (22,48 m2) e Ilanit Illouz (Galerie Anne-Laure Buffard), così come l’artigianato esemplificato dall’uso del tessuto da parte dell’artista sudafricano Bulumko Mbete (The Bridge Gallery) e della ceramica di Yoann Estevenin (La peau de l’ours). LEGGI L’INTERVISTA COMPLETA “Immortal: A Focus on Figurative Painting in France” will explore the historical context and influences of French figurative artists. Which artists or works do you believe best embody the connection between contemporary figurative painting and the masters of the past?The idea with guest curators Amélie Adamo and Numa Hambursin was to show how figurative painting has in fact been a permanent fixture in France ever since the postwar period. The selection of 30 artists chosen to this end goes from pioneering artists like Jean Hélion to new figuration in the 60s and 70s, notably the figuration narrative movement with artists, such as Dado, Gérard Schlosser, Sabine Monirys. It continues through to the 1980s and figuration libre – represented by Robert Combas – before showcasing the new generation with Dhewadi Hadjab, Laurent Proux and Barbara Navi amongst others.How will the generational differences among the artists selected for “Immortal” influence the overall curatorial vision, considering that some come from very different contexts in terms of style and technique?This focus highlights a resistance to the notion that ‘painting is dead’, a belief that crosses generations proving that this intergenerational dialogue has never ceased. It also showcases the diversity of current practices. Having been left out in the cold for many years by both critics and institutions, figurative painting has seen a resurgence of interest in France since 2020 and a new generation of artists have successfully made a name for themselves. According to Amélie Adamo, these artists “situate their practice in relation to the long history of art, while taking onboard the paradoxical nature of their position: they are not only the heirs to an age-old tradition handed down from the grand masters, but they can also reflect upon the revolutionary transformations the image has undergone. They can draw on tradition, while blurring the lines of descent by looking to popular culture and new schools of thought for inspiration. And finally, they can immerse themselves in contemporary art’s fascination with hybridity, while insisting on the necessity for formal rigour.The ‘Promises’ sector has seen increasing participation from young and international galleries. How do you see the evolution of this space dedicated to emerging galleries compared to previous editions? What trends are emerging from these new players?The Promises sector for young galleries and emerging artists is indeed growing in scale with 25 galleries instead of 9 and a new location on the balconies overlooking the central nave at the Grand Palais. The selection was placed in the capable hands of exhibition curator Marc Donnadieu, who is also a member of the Art Paris selection committee. We are delighted with the wide range of countries represented. 59% of the exhibiting galleries are from outside France: South Africa, Belgium, Canada, Kuwait, Italy, Japan, Hong Kong,