ArtonWorld

International quarterly of art and finance

Year: 2023

Intervista a Annabelle Ténéze direttrice del Louvre-Lens

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Al Museo del Louvre per l’edizione 2023, hanno invitato nuovamente Annabelle Ténèze a presentare un’esposizione di opere contemporanee progettate da ventisei artisti, la Cinquième Saison sede espositiva nel Jardin des Tuilleries Come è nato questo progetto espositivo per Art Basel? Grazie alla collaborazione tra il Musée du Louvre e Paris+ attraverso Art Basel, offriamo una mostra d’arte contemporanea di grande formato, completamente gratuita, nel cuore di uno degli spazi più frequentati e maestosi di Parigi. La mostra sarà visitata sia da appassionati d’arte desiderosi di scoprire nuovi artisti o nuove opere di artisti affermati, sia da persone non abituate all’arte contemporanea, e per alcuni sarà il primo incontro con l’arte contemporanea. La mostra riunisce le opere di 26 artisti di diverse nazionalità e continenti, ognuno dei quali propone un dialogo originale con i Jardin des Tuileries. Intitolata “La quinta stagione”, le opere degli artisti propongono una rivisitazione contemporanea del genere del paesaggio all’interno del paesaggio stesso dei Jardin des Tuileries.Il tema delle Quattro Stagioni è un genere importante nella creazione artistica. I capolavori di Archimboldo e Nicolas Pousssin su questo tema, conservati al Louvre e proseguiti alle Tuileries, testimoniano che gli artisti si sono continuamente interrogati sul rapporto dell’uomo con la natura, sulle tracce che l’uomo lascia su di essa, ma anche su quelle che essa lascia su di noi. Dopo il mio primo progetto dello scorso anno, “La Suite de l’histoire”, sui monumenti alternativi, la presenza e l’assenza nello spazio pubblico, il mio secondo progetto per i Jardin des Tuileries si concentra sulla vita in questo spazio naturale nel cuore della città. Come gli artisti di oggi stiano dando forma a questa “quinta stagione”, a noi ancora sconosciuta. Tra le opere proposte nella call for projects mondiale lanciata qualche mese fa, aperta a tutte le gallerie e a tutti gli artisti al di là di quelli presenti solo in fiera, molti artisti hanno proposto opere come “oggetti viventi”, opere dotate di vita propria, da cui l’idea di una mostra che esplora i Giardini delle Tuileries come luogo in cui convivono acqua, piante, minerali, animali e uomini, insomma tutte le forme di vita che lo abitano. La sede è molto bella, ci parli dell’allestimento e del successo delle opere di questa mostra. Il Jardin des Tuileries è un luogo dalle molteplici sfaccettature. Situato tra Place de la Concorde e il Louvre, è innanzitutto un luogo di storia, anche politica.È anche un luogo d’arte: un luogo di storia dell’arte del paesaggio e dei giardini da diversi secoli a oggi, un museo d’arte all’aperto con sculture risalenti a diversi secoli fa e sculture del XX secolo (Jean Dubuffet, Germaine Richier, Giuseppe Pennone).Una delle poche isole di verde nell’ambiente urbano di una capitale, questa è una delle zone di passeggio più frequentate di Parigi, che attira sia i frequentatori abituali che i turisti. È la combinazione di tutte queste caratteristiche che mi interessa. Esporre in un sito storico e in un luogo pubblico conferisce necessariamente una dimensione diversa a un’opera d’arte contemporanea, e una creazione contemporanea rivela necessariamente una sfaccettatura diversa del sito. Alcune opere sono già esistenti, altre sono state adattate e altre ancora sono state create per il sito. Ritengo che sia importante per un progetto come questo poter presentare diverse generazioni di artisti, personalità provenienti da vari continenti e una varietà di mezzi e forme di lavoro. L’obiettivo è dare coerenza all’insieme, ma anche fare in modo che ogni opera esista individualmente. In un luogo come questo, la scelta dei luoghi è essenziale per creare un forte dialogo con i vari spazi del giardino. Così le opere di quattro artisti – Joel Andrianomearisoa, Julien Berthier, Claudia Comte e Jacqueline de Jong – sono state collocate in modo spettacolare nelle fontane delle Tuileries. Foglie e patate di marmo sembrano scaturire dalle fontane, mentre il vetro brilla e racconta una nuova storia. Alcune opere sono anche in dialogo più preciso con il paesaggio, prendendo posto su letti d’erba, come l’opera di Henrique Oliveira, che sembra emergere dall’erba ed essere un’estensione del terreno. Le figure di Zanele Muholi e Vojtech Kovarik diventano abitanti sorprendenti e fantastici di questo giardino. I cervi e le tartarughe di Gloria Friedmann o la farfalla di Nicène Kossentini evidenziano anche la vita animale del Giardino.Si può anche visitare l’interno della casa sperimentale di Jean Prouvé e Pierre Jeanneret, o sedersi sulla colorata panchina-casa di Claudia Wieser.I temi che emergono lungo il percorso conferiscono alla mostra un senso di coerenza: un gruppo di opere, ad esempio, è dedicato al potere delle pietre e delle forme minerali, un altro all’habitat, un terzo agli animali, un quarto all’energia del suolo, un quinto alle piante e un ultimo alle risorse idriche. La mostra è stata concepita come un percorso autoguidato: ha senso se si inizia la visita dall’arco di trionfo del Caroussel du Louvre o dalla Concorde. È una sfida trasformare una passeggiata in una mostra, e una mostra in una passeggiata attraverso un mondo che è allo stesso tempo familiare e nuovo!Spero che tutti possano viverla in prima persona. Grazie Carmela Brunetti Director & CEO ArtonWorld.com Interview avec Annabelle Ténèze directrice du Louvre-Lens Au Musée du Louvre, pour l’édition 2023, ils ont de nouveau invité Annabelle Ténèze à présenter une exposition d’œuvres contemporaines conçues par vingt-six artistes, la Cinquième Saison lieu d’exposition au Jardin des Tuilleries Comment est né ce projet d’exposition pour Art Basel ? Grâce à la collaboration entre le Musée du Louvre et de Paris+ par Art Basel, nous proposons une exposition d’art contemporain de grand format, complètement gratuite, au coeur d’un espace majestueux parmi les plus fréquentés de Paris. L’exposition sera vue aussi bien par des amateurs d’art ayant à coeur de découvrir de nouveaux artistes ou des creations inédites d’artistes aguerris, que par des personnes qui n’ont pas l’habitude de l’art contemporain, voire pour certain une toute première rencontre avec l’art contemporain. L’exposition rassemble les oeuvres de 26 artistes de différentes nationalités et continents, à parité, qui chacune offre un dialogue originale avec le Jardin

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Yayoi Kusama: Infinite Love at the San Fransisco Museum of Modern Art SFMOMA

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by Carmelita Brunetti Clamoroso arrivo della prima mostra personale dell’artista giapponese Yayoi Kusama: Infinite Love nelle grandi sale del SFMOMA nel nord della Califormia. Yayoi Kusama è una delle figure artistiche più famose al mondo. La ricerca artistica dell’artista giapponese Yayoi Kusama nata nel 1929 a Matsumoto, in Giappone, ha raggiunto il successo in Patria e negli ’60 a New York dove si è affermata come artista pionieristica d’avanguardia mettendo in scena performance, eventi e mostre rivoluzionarie. Dal 1973 è tornata in Giappone a Tokyo dove vive e lavora. Il suo lavoro ha ottenuto un rinnovato riconoscimento diffuso alla fine degli anni ’80 a seguito di numerose importanti mostre personali internazionali. Ha creato il suo primo ambiente specchiato nel 1965, la sua prima Infinity Mirror Room oscurata nel 2000, e da allora ha costruito oltre 20 di queste installazioni che sono diventate le preferite dal pubblico di tutto il mondo. Nel 1993, Kusama ha rappresentato il Giappone al 45° Biennale di Venezia, riscuotendo grandi consensi dalla critica, e nel 1994 inizia a realizzare sculture all’aperto. L’artista ha sempre puntato a valorizzare la vita grazie alla scelta di una simbologia di forme geomentriche soft, morbide come i pois.L’evento aperto al pubblico dal 14 ottobre 2023 al 07 settembre 2024 è una grande occasione per conoscere l’ultimo lavoro di Kusama intitolato Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love (2023), presentato per la prima volta a New York presso la prestigiosa galleria Zwimer. Gli spazi nelle sale diventano un’esplosione di colore con le installazioni psichedeliche intitolate Infinity Mirror Rooms riguardo questa serie di lavori lei dichiara “ …Entra nel luogo dei coloriI pois lasciano entrare la luce del sole della terra. Il cuore è pieno della luce splendente del soleTutte le persone che entrano cercando la gioia di essere vivi. Lascia che ci sia eterna armonia tra tutti nei circoli e nei cicli della vita. Pace e amore infinito per tutti.” . Questa mostra è una importante occasione per far vivere agli amanti dell’arte contemporanea, la ricerca estetica dell’artista giapponese con i suoi Pois, cerchi tutti colorati e armoniosi pronti a coinvolgere un pubblico sempre più intrigato, quasi ipnotizzato dall’energia che i cerchi liberano nell’atmosfera. Yayoi Kusama con Infinite Love presenta l’ultima suggestiva installazione performativa Infinity Mirror Room, un’opera d’arte che coinvolge il pubblico regalando la magia del surreale e della sensazione di sogno, si mescolano gli stili e le tendenze artistiche dall’arte Pop sino ad arrivare all’arte psichedelica o cinetica. Le pareti delle stanze sono ricoperte da specchi per ottenere gli effetti di luoghi infiniti e anche stranianti. Queste opere racchiudono l’esperienza artistica dell’artista. Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love del 2023, accoglie lo spettatore in un universo di luci multicolori, uno spazio immenso fra i grandi punti acrilici colorati che si alternano in un gioco di luce e riflessi sulle superfici specchianti.Con la realizzazione di questa grande mostra personale di Yayoi Kusama: Infinite Love si vuole dimostrare l’impegno di SFMOMA di presentare il lavoro di artisti asiatici e AAPI, inclusa la prima retrospettiva di Pacita Abad in questo autunno, una galleria di dipinti e disegni di Hung Liu e mostre collettive attuali e future con opere chiave della collezione del museo degli artisti giapponesi Yoko Ono, Tatsuo Miyajima, Rakuko Naito, Tadaaki Kuwayama e Takashi Arai, tra gli altri. SFMOMA è anche riconosciuto per la sua significativa collezione di fotografie giapponesi. PER LEGGERE L’INTERA PUBBLICAZIONE CLICCA QUI Clamorous arrival of Japanese artist Yayoi Kusama’s first solo exhibition Yayoi Kusama: Infinite Love in the grand halls of SFMOMA in Northern California. Yayoi Kusama is one of the most famous artistic figures in the world. The artistic pursuit of Japanese artist Yayoi Kusama, born in 1929 in Matsumoto, Japan, achieved success in her homeland and in the 1960s in New York, where she established herself as a pioneering avant-garde artist creating groundbreaking performances, events and exhibitions. Since 1973 she has returned to Japan, to Tokyo, where she lives and works. Her work gained new recognition in the late 1980s following several major international solo exhibitions. She created her first mirrored environment in 1965, her first darkened Infinity Mirror Room in 2000, and has since built more than 20 such installations that have become favorites with audiences around the world. In 1993, Kusama represented Japan at the 45th Venice Biennale, receiving great critical acclaim, and in 1994 she began making outdoor sculptures. The artist has always focused on enhancing life through her choice of a symbology of soft, geomentric forms, as fluffy as polka dots.The event, open to the public from Oct. 14, 2023 to Sept. 7, 2024, is an excellent opportunity to learn about the latestThe event open to the public from Oct. 14, 2023 to Sept. 07, 2024 is a great opportunity to learn about Kusama’s latest work titled Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love (2023), presented for the first time in New York at the prestigious Zwimer Gallery. The spaces in the rooms become an explosion of color with psychedelic installations titled Infinity Mirror Rooms about this series of works she states ” …Enter the place of colors.The polka dots let in the sunlight of the earth. The heart is filled with the shining light of the sun.All the people who enter seeking the joy of being alive. Let there be eternal harmony among all in the circles and cycles of life. Peace and infinite love to all.” . This exhibition is an important opportunity for contemporary art lovers to experience the Japanese artist’s aesthetic quest with her Pois, circles that are all colorful and harmonious and ready to engage an increasingly intrigued audience, almost hypnotized by the energy the circles release into the atmosphere.Yayoi Kusama with Infinite Love presents the latest evocative performance installation Infinity Mirror Room, a work of art that engages the audience by giving the magic of the surreal and the sensation of dreaming, art styles and trends from Pop art to psychedelic or kinetic art are mixed. The walls of

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Rimini between cinema and art. From the Fellini Museum to ancient art to be relived together

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by Noemi Adabbo “Tu saresti capace di piantare tutto e ricominciare la vita da capo?”, chiedeva Guido Anselmi interpretato da Marcello Mastroianni ad una splendida Claudia Cardinale in Otto e mezzo: quale frase felliniana più azzeccata, ahimè, per la Romagna di questi giorni. È stato un maggio nefasto a causa dell’alluvione che ha colpito molte città dell’Emilia Romagna tentando di portare via l’allegria di questa terra, tanto conosciuta e amata dai turisti, ma senza intaccarne la memoria. Fellini nacque proprio qui, a Rimini, dove girò Amarcord (in dialetto romagnolo “mi ricordo”), la sua opera più intima e personale che gli valse il premio Oscar nel 1973: la pellicola accompagna Rimini nella storia del cinema che a sua a volta ha deciso di ricambiarla con il Fellini Museum, l’unico museo al mondo dedicato interamente ed unicamente al regista. Il progetto vede la luce nell’estate del 2021 e sceglie come protagonisti tre palcoscenici della città per attirare il proprio pubblico: Castel Sismondo (sezione più ampia riguardante i momenti salienti dell’artista), Palazzo del Fulgor (dedicato ai primi passi felliniani nel mondo del cinema, alla sua giovinezza e alla sua sperimentazione) e Piazza Malatesta (vero e proprio set a cielo aperto dove vengono proiettate le tre aree principali della panca circolare, del velo d’acqua e del bosco dei nomi ravvisabili in Amarcord), luoghi che oggi ospitano un impianto audiovisivo e documentale e un percorso di narrazioni partecipate tali per cui l’esperienza risulti il più immersiva possibile. Rimini si palesa quindi come polo artistico degli amanti della macchina da presa, centro propulsore di quella magia che soltanto un buon cineasta sa riconoscere e apprezzare.La città di Rimini si rende protagonista non soltanto delle più ambite mete estive del litorale adriatico ma anche di uno snodo sinergico tra i più antichi e geograficamente strategici: la Via Flaminia (che porta a Roma), Emilia (verso Milano) e Popilia (fino ad Aquileia) si incontrano sulle sue strade, in quella che era conosciuta come Ariminum, fondata dai Romani nel 268 A.C. Non per niente, di impronta fortemente romana è l’impianto urbanistico e importanti i legami che hanno arricchito il territorio di opere d’arte, le principali conservate al Museo della Città che raccoglie con parsimonia le tracce del cittadino riminese dagli antipodi alla storia contemporanea. Forte di un patrimonio millenario, il museo ospita la Pinacoteca esponente la celeberrima Scuola Riminese, dal Trecento con Il Crocifisso di Giovanni Da Rimini e il Trittico con l’incoronazione della Vergine di Giuliano si passa al Quattrocento con Giovanni Bellini, Agostino Di Duccio e Matteo De’ Pasti che hanno reso onore alla corte malatestiana. La linea storica del museo si spinge fino all’800 , passando per le influenze gotiche e rinascimentali del nord tipiche del ‘500 alla natura morta del ‘600 e ‘700 a cui è stato dedicato il secondo piano. Rimini è anche archeologia, grazie ai suoi scavi e ritrovamenti tra cui la Domus del Chirurgo, abitazione romana della seconda metà del II secolo, scoperta in Piazza Luigi Ferrari nel 1989, che ha portato alla luce il più grande repertorio di strumenti chirurgici dell’impero romano. In ultimo ma non per importanza, il Tempio Malatestiano voluto da Sigismondo Pandolfo Malatesta, riportante Il Crocifisso di Giotto, la Biblioteca Civica Gambalunga, tra le più importanti e antiche d’Italia, e il Teatro Amintore Galli, teatro principale di Rimini, progettato da Luigi Poletti e inaugurato da Giuseppe Verdi nel 1857. Rimini si palesa come meta culturale e non solo turistica, o perlomeno, capace di un turismo prepotentemente artistico. PER LEGGERE L’INTERA PUBBLICAZIONE CLICCA QUI “Would you be able to plant everything and start life all over again?” asked Guido Anselmi played by Marcello Mastroianni to a splendid Claudia Cardinale in Otto e mezzo: what Fellini phrase more apt, alas, for Romagna these days. It was a disastrous May due to the floods that hit many cities in Emilia Romagna trying to take away the joy of this land, so well known and loved by tourists, but without affecting its memory. Fellini was born right here, in Rimini, where he filmed Amarcord (in Romagnolo dialect, “I remember”), his most intimate and personal work that won him an Oscar in 1973: the film accompanies Rimini in the history of cinema, which in turn has decided to reciprocate with the Fellini Museum, the only museum in the world dedicated entirely and solely to the director. The project sees the light of day in the summer of 2021 and chooses three of the city’s stages as protagonists to attract its audience: Castel Sismondo (the largest section concerning the artist’s highlights), Palazzo del Fulgor (dedicated to Fellini’s first steps in the world of cinema, his youth and experimentation) and Piazza Malatesta (a true open-air set where the three main areas of the circular bench, the veil of water and the forest of names discernible in Amarcord are projected), places that now house an audiovisual and documentary installation and a path of participatory narratives such that the experience is as immersive as possible. Rimini thus emerges as an artistic hub for lovers of the camera, a driving force behind the magic that only a good filmmaker can recognize and appreciate.The city of Rimini makes itself the protagonist not only of the most sought-after summer destinations on the Adriatic coast but also of one of the most ancient and geographically strategic synergistic junctions: the Via Flaminia (leading to Rome), Emilia (toward Milan) and Popilia (to Aquileia) meet on its roads, in what was known as Ariminum, founded by the Romans in 268 B.C.Not for nothing, of strongly Roman imprint is the urban layout and important are the links that have enriched the territory with works of art, the main ones preserved at the City Museum, which sparingly collects the traces of the Rimini citizen from the antipodes to contemporary history. On the strength of a millennia-old heritage, the museum houses the Pinacoteca exposing the celebrated Riminese School, from the 14th century with Giovanni Da Rimini’s The Crucifix and Giuliano’s Triptych with the Coronation of the Virgin

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Julian Charrière: Erratic at SFMOMA

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L’artista Julian Charrière è nato a Born nel 1987 in Svizzera, ha viaggiato in regioni polaRi in cui l’essere umano difficilmente raggiunge. La sua esploraizone punta a testimoniare il cambiamento climatico e i disastri climatici che stanno subendo i ghiacciai. Il rapporto con l’ambinete glaciale è stato complicato, ma la sua volontà di presentare quei luoghi è stata così forte da far realizzare all’artista un filmato che riprende i monti bui della notte quando i ghiacciai nel silenzio si muovono ed emettono rumori che fanno sentire l’essere umano piccolissimo e debole di fronte alla forza impetuosa della natura.Questa rassegna è la prima mostra personale dell’artista sulla West Coast, Julian Charrière: Erratic presenta opere multimediali che ruotano attorno all’impegno poetico dell’artista con i paesaggi di ghiaccio, sfidando i nostri costrutti di temporalità differenti e portando l’attenzione sulle tracce e sugli effetti di lunga durata delle interferenze umane nella natura. L’opera centrale di questa mostra cinematografica e sensoriale è Towards No Earthly Pole (2019), un film panoramico che combina riprese inquietanti di ghiacciai effettuate di notte durante le spedizioni dell’artista in varie regioni glaciali.Il visitatore della mostra si sente partecipe di un progetto culturale realizzato dall’artista volto a scuotere le coscienze di tutti noi e tentare di dare valore a quelle aree che spesso sono sconosciute e hanno bisogno di essere presentate nel mondo politico e culuturale per tentare una svolta verso la salvaguardia dell’ecosistema.Julian Charrière: Erratic è sostenuta da Etant donnés Contemporary Art, un programma di Villa Albertine e della Fondazione FACE, in collaborazione con l’Ambasciata di Francia negli Stati Uniti, con il sostegno del Ministero della Cultura francese, dell’Institut français, della Fondazione Ford, della Fondazione Helen Frankenthaler, di CHANEL e di ADAGP. PER LEGGERE L’INTERA PUBBLICAZIONE CLICCA QUI Artist Julian Charrière was born in Born in 1987 in Switzerland and has traveled to polar regions where the human being hardly reaches. His exploration aims to witness climate change and the climatic disasters that glaciers are suffering. The relationship with the glacial ambinete was complicated, but his desire to present those places was so strong that the artist made a film that captures the dark mountains of the night when glaciers in the silence move and emit noises that make human beings feel tiny and weak in the face of the impetuous force of nature.This exhibition is the first solo show of artist on the West Coast, Julian Charrière: Erratic presents multimedia works that revolve around the artist’s poetic engagement with ice landscapes, challenging our constructs of different temporalities and bringing attention to the traces and long-lasting effects of human interference in nature. The central work in this cinematic and sensory exhibition is Towards No Earthly Pole (2019), a panoramic film that combines eerie footage of glaciers taken at night during the artist’s expeditions to various glacial regions.The visitor to the exhibition feels like a participant in a cultural project carried out by the artist aimed at shaking the consciences of all of us and attempting to give value to those areas that are often unknown and need to be presented in the political and culutural world in order to attempt a breakthrough toward the preservation of the ecosystem.Julian Charrière: Erratic is supported by Etant donnés Contemporary Art, a program of Villa Albertine and the FACE Foundation, in collaboration with the Embassy of France in the United States, with support from the French Ministry of Culture, the Institut français, the Ford Foundation, the Helen Frankenthaler Foundation, CHANEL and ADAGP. TO READ THE COMPLETE ARTICLE CLICK HERE

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Has the perception of beauty in our
contemporary times changed? 

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contemporary times changed? 

L’essere umano come reagisce di fronte alle opere digitali? Quali aree cerebrali si attivano?Nel complesso, sembra che il cervello elabori e risponda all’arte digitale in modo molto simile a quello dell’arte fisica tradizionale. Per esempio, la corteccia orbitofrontale, coinvolta in modo importante nel processo estetico, si attiva quando guardiamo un’opera d’arte esteticamente piacevole, sia essa digitale o sia tradizionale. Altre aree cerebrali tipicamente attivate quando guardiamo l’arte digitale sono quelle relative all’elaborazione visiva e spaziale. Ad esempio, il giro fusiforme, coinvolto nel riconoscimento dei volti e nella percezione degli oggetti. Tuttavia, è importante notare come il cervello sia altamente adattabile e possa imparare ad elaborare nuovi tipi di stimoli nel corso del tempo, quindi il modo in cui il cervello di un individuo risponde all’arte digitale può cambiare man mano che si abitua ad essa. Negli ultimi anni lo studio in questo campo, la neuroestetica, ha acquisito una notevole importanza grazie all’utilizzo da parte dei ricercatori di tecniche avanzate di imaging cerebrale, come la risonanza magnetica funzionale (fMRI), per studiare l’attività cerebrale delle persone durante la visione e la valutazione delle opere d’arte.Con la sua continua evoluzione, il campo della neuroestetica ha il potenziale per rivoluzionare la nostra comprensione dell’estetica e dei modi in cui il cervello elabora e risponde all’arte. Alla Webster Vienna Private University offriamo corsi che approfondiscono questi argomenti affascinanti fornendo agli studenti una prospettiva unica sul ruolo del cervello nell’apprezzamento dell’arte e le competenze necessarie per condurre la propria ricerca in questo campo appassionante. PER LEGGERE L’INTERA PUBBLICAZIONE CLICCA QUI How does the human being react when faced with digital works? Which brain areas are activated?Overall, it seems that the brain processes and responds to digital art in much the same way as it does to traditional physical art. For example, the orbitofrontal cortex, which is heavily involved in aesthetic processing, is activated when we look at an aesthetically pleasing work of art, whether it is digital or whether it is traditional. Other brain areas typically activated when we look at digital art are those related to visual and spatial processing. For example, the fusiform gyrus, which is involved in face recognition and object perception. However, it is important to note that the brain is highly adaptable and can learn to process new types of stimuli over time, so the way an individual’s brain responds to digital art may change as he or she becomes accustomed to it. In recent years, the study in this field, neuroaesthetics, has gained prominence due to researchers’ use of advanced brain imaging techniques, such as functional magnetic resonance imaging (fMRI), to study people’s brain activity while viewing and evaluating works of art.As it continues to evolve, the field of neuroaesthetics has the potential to revolutionize our understanding of aesthetics and the ways in which the brain processes and responds to art. At Webster Vienna Private University we offer courses that delve into these fascinating topics by providing students with a unique perspective on the brain’s role in art appreciation and the skills needed to conduct their own research in this exciting field. TO READ THE COMPLETE ARTICLE CLICK HERE

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